Меню Закрыть

Какие средства художественной выразительности используют художники экспрессионисты: Художественный смысл и формы выразительности абстракционизма

Содержание

Художественный смысл и формы выразительности абстракционизма


Главными теоретиками и практиками были В.Кандинский, П.Мондриан. Абстракционизм отказался от изображения форм визуально воспринимаемой действительности, от изоморфизма и ориентировался исключительно на выразительные, ассоциативные, синестезические свойства цвета, неизоморфных абстрактных цвето-форм и их бесчисленных сочетаний. Первые абстрактные работы были созданы в 1910 г. Кандинским. Эстетическое кредо абстрактного искусства он изложил в книге "О духовном в искусстве" (1910 г.) и в ряде других книг и статей. Суть его сводится к тому, что отказ от изображения внешних, видимых форм предметов позволяет художнику сосредоточиться на решении исключительно живописных задач гармонизации цвета и формы, через посредство которых духовный космос вступает в контакт с реципиентом. Фактически Кандинский на новом уровне возвращается к идеям платоновско-неоплатонической эстетики. Живопись уподобляется им музыке в ее абсолютном значении, и главную ее цель он усматривает в выражении на холсте или листе бумаги музыки (звучания) объективно существующего "Духовного". Художник в понимании Кандинского является лишь посредником Духовного, инструментом, с помощью которого оно материализуется в художественных формах. Поэтому абстрактное искусство не является выдумкой современных художников, но - исторически закономерной формой самовыражения Духовного, адекватной своему времени. С духовными космическими силами связывал абстрактное искусство и один из крупнейших представителей его "геометрического" направления - неопластицизма голландец Мондриан.

Абстракционизм развивался по двум основным направлениям: гармонизации аморфных цветовых сочетаний; создания геометрических абстракций. Первое направление (главные представители - ранний Кандинский, Ф.Купка) довело до логического завершения поиски фовистов и экспрессионистов в области "освобождения" цвета от форм видимой реальности. Главный акцент делался на самостоятельной выразительной ценности цвета, его колористическом богатстве и синестезических обертонах, на музыкальных ассоциациях цветовых сочетаний, с помощью которых искусство стремилось выразить глубинные "истины бытия", вечные "духовные сущности", движение "космических сил", а также - лиризм и драматизм человеческих переживаний, напряженность духовных исканий и т. п. Второе направление развивалось по пути создания новых типов художественного пространства путем сочетания всевозможных геометрических форм, цветных плоскостей, сочетаний прямых и ломаных линий. Главными представителями его были Малевич периода геометрического супрематизма, участники голландской группа "Де Стейл" (с 1917г.) во главе с Мондрианом и Т.Ван Дусбургом, поздний Кандинский с его геометрическими абстрактными композициями. Голландцы выдвинули концепцию неопластицизма, противопоставлявшую "случайности, неопределенности и произволу природы" "простоту, ясность, конструктивность, функциональность" чистых геометрических форм, выражавших, по их мнению, космические, божественные закономерности Универсума (Ван Дусбург).

Мистическая простота оппозиции "горизонталь-вертикаль", согласно Мондриану, ставшая основой всего его творчества зрелого периода, при использовании определенных локальных цветов дает бесконечные возможности достижения визуальных пропорций и равновесия, которые имеют духовно-этическую сущность. Мондриан и его коллеги впервые в истории искусства сумели достичь равновесия художественных масс с помощью асимметричных построений, что дало мощный импульс архитектуре, прикладному искусству, дизайну ХХ в.



Концентрация эстетического в абстрактных цвето-формах, исключающих какие-либо утилитарно-бытовые ассоциации, выводит зрителя на прямой глубинный контакт с чисто духовными сферами. В этом плане многие призведения абстракционизма (особенно работы Кандинского, Малевича, М.Ротко, отчасти Мондриана) могут служить объектами медитации и посредниками в других духовных практиках. Не случайно Малевич ощущал в своих работах близость к русской иконе (см.: Икона), а за его "Черным квадратом" укрепилась репутация "иконы ХХ века". Обозначение, данное изначально с уничижительно-ироническим оттенком, хорошо выразило суть этого феномена.

Этапы творчества В. Кандинского

Начало. Москва. 1866-1896

Василий Васильевич Кандинский родился 16 (4) декабря 1866 г. в Москве, в обеспеченной культурной семье коммерсанта. В 1871 году семья перебралась в Одессу, где его отец управлял чайной фабрикой. Там, наряду с посещением классической гимназии, мальчик учится игре на фортепиано и виолончели и занимается рисованием с частным преподавателем. "Помню, что рисование и несколько позже живопись вырывали меня из условий действительности", - писал он впоследствии. Уже в детских работах Кандинского встречались весьма нетрадиционные цветовые сочетания, которые он объяснял тем, что "каждый цвет живет своей таинственной жизнью".

Однако родители Василия в будущем видели его юристом. В 1886 году он едет в Москву, где поступает на юридический факультет Московского университета. Блестяще окончив обучение, через шесть лет Василий женится на своей кузине Анне Чемякиной. В 1893 году он становится доцентом юридического факультета и остается преподавать. В 1896 году знаменитый Дерптский университет в Тарту, где в то время происходил процесс русификации, предлагает тридцатилетнему Кандинскому место профессора юриспруденции, но именно в это время он решает оставить многообещающую карьеру и полностью посвятить себя живописи. Впоследствии Кандинский вспоминал о двух событиях, повлиявших на это решение: посещение выставки французских импрессионистов в Москве в 1895 году, где он был потрясен картиной Клода Моне "Стога сена", и впечатление от оперы Рихарда Вагнера "Лоэнгрин" в Большом театре.

Метаморфозы. Мюнхен. 1896-1911

В 1896 году он отправляется в Мюнхен, считавшийся тогда одним из центров европейского искусства, и записывается в престижную частную школу югославского художника Антона Ажбе, где получает первые навыки в построении композиции, в работе с линией и формой. Однако весьма скоро школа перестает удовлетворять его потребностям. Позднее художник напишет: "Нередко я уступал искушению "прогулять" занятие и отправиться с этюдником в Швабинг, Энглишер-Гартен или парки на Изаре". В 1900 г. после неудачной попытки предыдущего года, Кандинский поступает в Мюнхенскую академию художеств, в класс Ф. Штука, "первого немецкого рисовальщика". Мастер доволен своим учеником, но считает его палитру слишком яркой. Выполняя его требования, Кандинский целый год пишет исключительно в черно-белой гамме, "изучая форму как таковую".

В этот период Кандинский знакомится с молодой художницей Габриэль Мюнтер, а в 1903 году расстается со своей женой Анной Чемякиной. Следующие пять лет они вместе сГабриэль путешествуют по Европе, занимаясь живописью и участвуя в выставках. Вернувшись в Баварию, селятся в маленьком городке Мурнау у подножия Альп. Начинается этап интенсивного и плодотворного поиска. Работы этих лет - в основном пейзажи, построенные на цветовых диссонансах. Игра цветовых пятен и линий постепенно вытесняет образы реальной действительности ("Ахтырка. Осень. Этюд", 1901; "Шлюз", 1901; "Старый город", 1902; "Синий всадник", 1903; "Берег залива в Голландии", 1904; "Мурнау. Двор замка", 1908). В эти же годы он обратился к русской сказочной, былинной старине, создав завораживающие образы ("Русский всадник", 1902; "Русская красавица в пейзаже", 1904), превратив в зримое таинственные предания о славянских деревянных городах ("Русская деревня на реке с ладьями", ок. 1902; "К городу",ок.1903).

"Синий всадник". 1911-1914

Активная творческая деятельность, организующее начало всегда делали Кандинского центром притяжения всего интеллектуального, неспокойного, ищущего, что было в мире искусства того времени. Так, уже в 1901 г. он основывает в Мюнхене художественное объединение "Фаланга" и организует при нем школу, в которой сам же и преподает. За четыре года Кандинский устраивает двенадцать выставок состоящих в "Фаланге" живописцев. В 1909 году он, вместе с Явленским, Канольдтом, Кубином, Мюнтер и другими, основывает "Новое объединение художников, Мюнхен" и берет на себя председательство. Кредо общества: "Каждый из участников не только знает, как сказать, но знает и что сказать". С 1900 г. Кандинский участвует в выставках Московского товарищества художников, а в 1910 и 1912 г. в выставках художественного объединения "Бубновый валет". Также, он публикует художественно-критические "Письма из Мюнхена" в журналах "Мир искусства" и "Аполлон" (1902, 1909). В1911 году Кандинский вместе со своим другом, художником Францем Марком, организовывает группу "Синий всадник". По словам самого художника,

"акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гете и Филиппа Рунге, "югендстиль" и теософия Рудольфа Штайнера".

"Ни в какое другое время живопись Кандинского не развивалась так стремительно, как в мюнхенские годы, - писал М. К. Лакост. - Порою нелегко бывает понять, почему основатель абстрактной живописи вначале избирал сюжеты, типичные для бидермейера - веера, кринолины, всадники. Стиль его ранних произведений не назовешь ни условным, ни манерным, но в них еще ничего не предвещало радикального обновления живописи. Впрочем, как известно, лишь немногим художникам бывает дано одновременно проявлять оригинальность в форме и в содержании. Сначала Кандинскому было важно испытать собственные возможности выражения. Хотя "Вечеру" (1904-1905) нельзя отказать в своеобразии, однако трудно себе представить, что создал ее тот самый художник, который через пять-шесть лет произведет на свет первое в истории искусства абстрактное произведение (1910). Какая великая творческая сила должна была действовать в Кандинском! Какая стремительная эволюция с 1908 по 1914 год - от пейзажных картин, хотя и дерзких уже по цвету и форме, но все еще верных наблюдениям натуры, как

"Дома в Мурнау на Обермаркт" (1908), до хаотического этюда под названием "Ущелье" (1914) и беспокойных композиций в серии панно "Времена года" в музее Гуггенхейма ("Осень"). Было бы затруднительно угадать руку одного и того же художника в еще вполне предметных "Крестоносцах" (1903) и в такой абстрактной работе, как "Композиция VII", 1913, несмотря на общую им динамику. Тут скованный порыв, там - раскрепощенное движение".

В то же время Кандинский отдает дань литературной деятельности. В 1912 году выходит книга "О духовном в искусстве". Перевернувшая устоявшееся представление об искусстве вообще, эта книга стала первым теоретическим обоснованием абстракционизма. Придя к мысли, что "цели (а потому и средства) природы и искусства существенно, органически и мирозаконно различны - и одинаково велики... и одинаково сильны"

, художник провозгласил творческий процесс "самовыражением и саморазвитием духа". Также Кандинский пишет мемуары "Оглядываясь назад" (1913 год; в русском переводе - "Ступени"), сборник стихов "Звуки" (1913 год) с 55 черно-белыми и цветными литографиями.

Возвращение в Россию. 1914-1921

С началом мировой войны Кандинский как гражданин России, вынужден покинуть Германию. 3 августа 1914 года они сГабриэль переезжают в Швейцарию, где Кандинский приступает к работе над книгой о "точке и линии". К ноябрю этого же года они расстаются. Габриэль возвращается в Мюнхен, а Кандинский едет в Москву. Осенью 1916 года Кандинский знакомится с Ниной Андреевской, дочерью русского генерала на которой он женится в феврале 1917 года. В эти кризисные годы революции Кандинский колеблется между языком полуабстракций, импрессионистическими пейзажами и романтическими фантазиями. В абстрактных картинах усиливается геометризация отдельных элементов, причиной чему, во-первых, собственный процесс упрощения, а во-вторых - авангардистско-художественная атмосфера Москвы того времени.

В России Кандинский находится в русле послереволюционного культурно-политического развития. С 1918 по 1921 год он сотрудничает с ИЗО Наркомпроса в области художественной педагогики и музейной реформы. Между 1919 и 1921 годами публикует шесть больших статей. В качестве председателя Государственной закупочной комиссии при Музейном бюро Отдела ИЗО Наркомпроса участвует в организации двадцати двух провинциальных музеев. Но самое большое влияние Кандинский оказывает как преподаватель московского Свомаса (Свободные Мастерские), а затем Вхутемаса. Будучи его профессором с октября 1918 года, он составляет специальный учебный план, основанный на анализе цвета и формы, то есть развивающий идеи, высказанные в книге О духовном в искусстве. Также, участвуя в организации и управлении московским Институтом художественной культуры (Инхук) он составляет для него учебный план, основываясь на своей теории. Однако здесь мнения с коллегией института расходятся. Противники Кандинского - Родченко, Степанова и Попова - за точный анализ материалов, их конструктивное расположение и оформление. Любое проявление иррациональности в творческом процессе решительно отрицается. Кандинский, в свою очередь, энергично выступает против своих оппонентов-конструктивистов: "Если художник использует абстрактные средства выражения, это еще не означает, что он абстрактный художник. Это даже не означает, что он художник. Существует не меньше мертвых треугольников (будь они белыми или зелеными), чем мертвых куриц, мертвых лошадей и мертвых гитар. Стать "реалистическим академиком" можно так же легко, как "абстрактным академиком". Форма без содержания не рука, но пустая перчатка, заполненная воздухом". Постоянные нападки коллег-художников, считавших его работы "изуродованным спиритизмом" (Пунин) являются решающим фактором для отъезда Кандинского из Москвы в декабре 1921 года. Давление социалистической идеологии на искусство, приведшее впоследствии к появлению соцреализма, начинается после 1922 года. Картины Кандинского на долгие годы убирают из советских музеев.

Баухаус. 1922-1933

По возвращении в Германию, Кандинский принимает приглашение Вальтера Гропиуса, основателя знаменитого Баухауса (Высшая школа строительства и художественного конструирования) и они с Ниной переезжают в Веймар, где Кандинский возглавляет мастерскую настенной живописи. Он снова преподает и развивает свои идеи. Это касается, прежде всего, усиленного аналитического изучения отдельных элементов картины, результаты которого он представляет в 1926 году в сочинении Точка и линия на плоскости. Также Кандинский много работает и экспериментирует с цветом, применяя аналитическую базу и полученные выводы в преподавательской деятельности. Творчество Кандинского вновь претерпевает изменения: отдельные геометрические элементы все более выступают на первый план, палитра насыщается холодными цветовыми гармониями, которые, порой, воспринимаются как диссонанс, особо используется круг, как чувственный символ совершенной формы. "Композиция VIII", 1923 - главная работа веймарского периода. Наряду с концептуальными работами, в это время он создает богатые фантазией Маленькие миры для издательства "Пропилеи" и несколько камерных, "интимных" картин, таких как "Маленькая мечта в красном", 1925. Также Кандинский ведет лекционную и выставочную деятельность в США, основав вместе с Фейнингером, Клее и Явленским объединение "Синяя четверка".

В 1925 году, вследствие нападков правых партий, Баухаус в Веймаре закрывается. Второй период Баухауса в Дессау начинается в весьма благоприятных условиях: Кандинский и другие художники получают несколько свободных классов живописи, где они, помимо преподавания, могут заниматься собственным творчеством. "Желтое-Красное-Синее", 1925 - одна из знаковых работ, характеризующих этап "холодной романтики" в живописи Кандинского. "Круг, который я использую в последнее время столь часто, можно назвать не иначе, как романтическим. И нынешняя романтика существенно глубже, прекраснее, содержательнее и благотворнее - она - кусок льда, в котором пылает огонь. И если люди чувствуют только холод и не чувствуют огня - тем хуже для них..." В Дессау Кандинского с новой силой увлекают романтические идеи "гезамткунстверк" (идея синтеза искусств в одном произведении). Эти идеи воплощаются в произведении "Желтый звук" и изобразительном сопровождении "Картинок к выставке" Мусоргского.

Живопись Кандинского последних лет Баухауса пронизана легкостью и странным юмором, которые вновь проявятся в его поздних парижских работах. К ним, например, можно отнести картину "Причудливое", 1930, навевающую космически - египетские ассоциации и наполненную сказочными символическими образами в духе Пауля Клее, художника, с которым Кандинский дружен в эти годы. Около 1931 года разворачивается масштабная кампания национал-социалистов против Баухауса, которая приводит к его закрытию в 1932 году. Кандинский с женой эмигрируют во Францию, где селятся в новом доме в парижском предместье Нейи-сюр-Сен. Между 1926 и 1933 годами Кандинский написал 159 картин маслом и 300 акварелей. Многие из них были, к сожалению, утрачены после того, как нацисты объявили живопись Кандинского и многих других художников "дегенеративной".


Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском гугл на сайте:

Учебное пособие на тему "Художественные средства выразительности в графике"

Муниципальное казенное образовательное учреждение «Ванинская средняя общеобразовательная школа» Октябрьского района Курской области

Учебное пособие

на тему:

«Художественные средства выразительности в графике»

Полина Людмила Николаевна,

учитель изоискусства

2018

Аннотация

Учебное пособие «Художественные средства выразительности в графике» создано в соответствии с требованиями дополнительной образовательной общеразвивающей программы в области изобразительного искусства «Изобразительное творчество».

Учебное пособие предназначено для педагогов общеобразовательных школ, дополнительного образования для занятий во внеурочной деятельности, изостудий, кружках, творчески настроенных детей 7-15 лет, желающих развить художественные способности, воображение и творческое мышление.

Учебное пособие дает возможность учащимся закрепить теоретические основы изобразительной грамоты на практических занятиях, получить навыки творческой работы в различных техниках графики и живописи.

Учебное пособие содержит развернутый материал по теме и практические творческие задания разной степени сложности.

Приобретенные знания могут быть использованы для дальнейшего обучения по курсу предпрофессиональной подготовки в художественной школе.

Графика - вид изобразительного искусства, основным средством которого является рисунок, выполненный на бумаге карандашом, пером, фломастером, углём и т.д.

Графика - это искусство линейно, строгое, основанное на сочетании чёрного и белого, причём белым является сама бумага, а чёрным — карандаш, уголь, фломастер.

Выразительными средствами графики является - линия, точка, штрих, пятно, светотень. С помощью этих средств художники передают свое восприятие мира, делятся со зрителем тем, как они осмыслили и оценили увиденное.

Линия - главное выразительное средство рисунка. Линия художника отличается от чертежной. Ее эмоциональная палитра разнообразна, она может быть тонкой, изысканной, жесткой, колючей, порывистой, уверенной и неуверенной и т.д. (рис. 1, 2)

Рис.1Рис.2

Линия также может иметь пространственный характер: она то усиливается, то ослабевает или совсем исчезает, а потом снова появляется и звучит во всю силу карандаша. Примером может служить рисунок женщины, выполненный одним из великих художников эпохи Возрождения Микеланжело ( рис. 3).

Применение разных по характеру линий дает художнику возможность решать пластические и пространственный задачи.

Штрих - короткий след карандаша, простейший элемент техники рисования. Различными по направлению и характеру штрихами передаются объемно - пространственные свойства объектов, их фактура.

Если контур линейного рисунка залить изнутри ровным цветом, получится силуэт - пятно. Силуэт - плоское цветовое пятно на более темном или более светлом фоне (рис. 4,5).

Выразительность силуэта зависит от формы, положения и освещенности фигуры. Пятно может выявлять бесконечное разнообразие состояний. С его помощью можно выразить не только форму, но и характер модели, сюжетную ситуацию (рис. 6).

Рисунок пятном может быть и не силуэтным. В нем могут использоваться градации тона: блик, свет, полутень, собственная тень, рефлекс, падающая тень (рис.7)

Для выполнения рисунков используются многие инструменты и материалы. Для начинающего наиболее пригоден обычный простой карандаш с графитным стержнем. Карандаши (от тюрк, «кара» — черный и «таш» — камень) бывают твердыми, мягкими, глянцевыми, матовыми, а также различных силы и цвета.

Графитный карандаш хорошо держится на поверхности бумаги и легко стирается ластиком. При рисовании графитным карандашом на первых этапах рисунок следует вести очень легко, без нажима. Ровное покрытие поверхности листа определенным тоном достигается с помощью штрихов, нанесенных в одном направлении. Чтобы получить плавный переход тона от темного к светлому, штрихи наносят чаще или реже, усиливая или ослабляя нажим на грифель.

Графитные карандаши выпускаются различных степеней твердости. Отечественные карандаши имеют 13 степеней твердости, более твердые обозначаются буквой Т (от 1T до 7Т), более мягкие — буквой М (от 1М до 5М). Импортные карандаши обозначаются соответственно Н и В.

Для рисования наиболее подходят относительно мягкие карандаши марок ТМ, М, 2М —5М. С их помощью можно делать линии различной толщины и диапазон тоновых градаций от самого светлого до почти черного, что достигается штриховкой (рис. 8).

Самое главное качество художника – умение видеть. В своих произведениях художник изображает, то, что затронуло его душу, и воплощает это так, как сам чувствует и понимает. Другими словами – он создает художественный образ. И музыканты, и художники, и литераторы создают художественный образ и это довольно-таки сложный процесс. И нам, зрителям проще ощутить и понять, чем грамотно объяснить и оценить то или иное художественное произведение. Искусство мыслит образами. Мышление художников ассоциативно и эмоционально. Свои душевные переживания он вкладывает в создаваемое произведение. И, чтобы реализовать свой духовный замысел, художник использует художественные средства выразительности графики или живописи: линию, штрих, пятно, тон, цвет, форму, пропорции, фактуру, пространство, композицию.

Упражнение 1. Придумай композицию из линий разного характера на тему «Небо –море», рис.9-9а.

Упражнение 2. Придумай сложную ритмичную композицию из линий, рис.10.

Упражнение 3. Выполни композицию из разных по характеру линий на тему «На лугу», рис.11-11а.

Упражнение 4. На листе А4 выполните композицию с различными задачами, пример рис. 12-12а.

Упражнение 5. На листе А4 выполните композицию: силуэт предмета, насекомого, животного и т.д. украсьте разными по характеру линиями, пример рис.13.

Упражнение 6. Формат А4-А5 подготовьте для процарапывания (равномерно натрите лист свечкой, покройте черной тушью, оставьте высыхать). Острым предметом сделайте композицию, рис.14.

Рисунок – это основа изобразительного творчества, вид искусства. Он необходим и графикам, и скульпторам, и живописцам, и архитекторам. Мастерски выполненный рисунок можно назвать графическим произведением. Разные графические техники переплетаются с различными целями, для которых создаются рисунки. Так, существуют разные виды рисунка.

Набросок – очень быстрый рисунок. В наброске художник стремится передать свое впечатление или идею будущей работы (рис.1-1а Э.Мане «Портрет мадам Жюль Гийоме»).

Зарисовка – рисунок более долгий, изучающий какой-либо предмет (рис. 2 П.П.Кончаловский «Пейзаж». Уголь. Россия. ХХв.).

Технический рисунок – это рисунок, ставящий задачу изучить как устроена машина или к.-л. постройка (рис. 3).

Учебный рисунок – это рисунок, ставящий перед собой цель освоение правил изображения, грамоты изобразительного языка (рис. 4).

Творческий рисунок – это осмысленный рисунок, в котором автор стремится выразить то, что ему интересно (рис.5).

Чтобы уметь рисовать, надо этому учиться. А чтобы овладеть тайнами рисования, надо учиться видеть. Способность видеть и способность рисовать тесно связаны между собой. Учиться видеть означает особым образом мыслить! Рисование начинается с этапа рассматривания понравившегося предмета. Глаза художника наблюдают, мозг в это время расшифровывает видимую картинку с учетом состояния души, а рука складывает из линий и пятен изображение. Получается т.о. особое исследование, в котором значение имеет интерес художника к предмету изображения, его отношение к этому предмету. Художник видит не так, как просто внимательный человек, а напрягает все свои чувства и создает на языке изобразительного искусства «рассказ» о своих впечатлениях.

Итак, «Рисунок – интереснейшая область художественного творчества. Он тот родник, из которого рождаются все виды изобразительных искусств. Живописные полотна и архитектурные проекты, скульптурные монументы и театральные декорации – всё начинается с того, что художник берёт в руки карандаш. В рисунке возникает и оформляется авторский замысел».

В этом смысле карандаш нужен не только представителям изобразительного искусства: он необходим ученику для создания учебного рисунка по многим школьным предметам, конструктору, инженеру, рабочему-изобретателю, чтобы сделать набросок нужной машины, детали, и людям многих других профессий. Но для этого нужно уметь правильно и свободно владеть карандашом.

Линия. Рисунок карандашом состоит из линий – длинных, коротких, волнистых, отрывистых, тонких и толстых. Линии разные по своему характеру. При анализе рисунка линия может быть: весомой, уверенной, беглой, поспешной, лихой, смелой, строгой, упругой, росчерком, слабой, исчезающей и т.д. В природе линии встречаются редко. Можно сказать, что их нет, но мы их видим. Линией мы обозначаем контур предмета, его край, но в жизни этой черты нет, есть плоскость предмета. Линия – это условный знак, придуманная как способ обозначения. У каждого рисующего человека есть своя манера вести линию, обрисовывать контуры предмета – есть свой почерк. И этот почерк может быть разным: строгий или непринужденный, скованный или энергичный. В любом случае – характер линий выражает настроение художника! (Рис. В.Ван Гог «Лодки в море у Сен-Мари», рис.6-6а)

Как разнообразна графическая структура в рисунке Ван Гога «Лодки в море у Сен-Мари»! Рисунок выполнен тушью и палочкой. Художник выразительно и эмоционально передал свое отношение к происходящему. Фактура воды представляет большой интерес. Движение воды и блеск на воде переданы разнообразными графическими элементами – многообразными широкими и тонкими линиями, скругленными завитками разной яркости. Образ бурлящего, играющего моря художник дополняет точками, черточками, закорючками. В рисунке много разных штрихов, где они повторяются, чередуются, создают ритм, поэтому образ моря получился веселый.

Ритм - это универсальное природное средство. «Ритм» в переводе с древнегреческого означает «такт», «соразмерность». Ритм организует внутреннюю динамику произведения, создает определенную музыкальность картины. Ритм – это чередование, повторение через определенный интервал различных элементов изображения (фигур, линий, цветов). Ритмические соотношения могут быть бесконечно разнообразны: сложны, вариативны и очень просты. Пространство между элементами называется интервалом. Когда интервалы одинаковы возникает равномерный ритм. Он передает ощущение непрерывности движения. Его используют при построении орнаментов в декоративно-прикладном искусстве. Человеческому восприятию не свойственна монотонность. Нашему взгляду привычнее неравномерный ритм с акцентами, привлекающими наше внимание. В произведении такие ритмы могут переплетаться создавая внутреннюю жизнь, движение в картине. Улавливая ритмы в картине, зритель способен раскрыть чувства автора, (рис.7).

Пятно, как и линия, - основное средство изображения на плоскости. Пятна в произведениях бесконечно разнообразны по форме, цвету, тону, размеру, расположению и очертанию, (рис.8).

Упражнение 1. Выполни штриховку, постепенно усиливая тон, рис.9.

Упражнение 2. Сделай копию рисунка Ван Гога, рис.6.

Упражнение 3. Выполни композицию, начиная от пятна, рис.10.

Упражнение 4. Выполни композицию, используя разные по характеру линии, рис.11.

Упражнение 5. Выполни композицию, используя минимум художественных средств, рис.12.

Упражнение 6-14. Выполни задачи, поставленные учителем, используя рис. 13-20.

Рис.13

Рис.14

Рис.15

Рис.16

Рис.17

Рис.18

Рис.19

Рис. 20

Литература:

  1. Неменский, Б. М., Горяева Н. А., Неменская Л. А. Изобразительное искусство и художественный труд: с краткими методическими рекомендациями. 1–9 классы

  2. Рябшина, Т. Новые материалы для уроков изобразительного искусства // Первое сентября. – Искусство. – 2002. – № 20 (260).

  3. А.Д. Алехин. Когда начинается художник

  4. Ю. Аксенов. Цвет и линия

  5. Н. Костерин. Учебное рисование

  6. Журналы «Юный художник»

  7. Л. А. Неменская Искусство в жизни человека.

  8. В.С.Кузин Изобразительное искусство

Новые средства художественной выразительности в произведениях импрессионистов

23.09.2017

Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Во главе его стоял французский художник Клод Моне. Известными импрессионистами были также Эдуард Мане, Эдгар Дега, Огюст Ренуар и Камиль Писарро.

Импрессионизм - совокупность приемов технических и композиционных приемов, найденных, прежде всего в пленэрной живописи (живопись на открытом воздухе, при естественном освещении).

Импрессионизм – это искусство, и в основе его лежало новое художественное видение мира. Разрушение академических канонов в живописи совершалось в нескольких направлениях. Импрессионистам был чужд напряженный трагический пафос романтического искусства, поиски отвлеченной рафаэлевской красоты. Отнюдь не порывая с реализмом, они обогатили его своим художественным опытом, обратились к новым темам и образам. Они рисовали действительность во всей его красочности и вечной изменчивости. Все искусство импрессионизма обращено к современности. Художники находят образы своих произведений в окружающей жизни. Жизнь людей, образы природы передают в живописи импрессионистов через индивидуальное видение мира художником, его личное восприятие.

Заслугой художников-импрессионистов было обращение к теме города.

Традиционное представление о композиции как замкнутой целостной скульптуре образов, импрессионизм заменил новым для искусства пониманием картины как фрагмента натуры, словно увиденного в окно.

Другая новация импрессионизма – последовательное изменение традиционной системы перспективыИмпрессионисты отказываются от прямой перспективы, прибегают к наклону вертикальных осей и развороту плоскостей к первому плану композиции.

В картинах импрессионистов деталь может заслонить главное, нет разделения на фон и главный предмет изображения, равноправие всех элементов композиции.

В творчестве художников этого направления исчезает противопоставление светов и теней. Свет – главный герой живописи импрессионистов. Цвет приобретает автономию и является носителем световых зарядов.Пленер (живопись на открытом воздухе) предполагает большую тонкость градаций светотени, цветовых отношений и переходов.

Импрессионисты рисовали мазком. При близком рассмотрении фактура импрессионистических работ представляет собой сложнейшее сплетение небольших вибрирующих мазков несмешанных красок, организованных по принципу цветовой гармонии. Она проявляется при отдалении зрителя от живописной поверхности, когда различные цвета синтезируются в глазу смотрящего – так рождается художественный образ, словно бы находящийся в состоянии становления или движения.

Средства художественной выразительности

Когда мы говорим об искусстве, литературном творчестве, мы ориентированы на впечатления, которые создаются при чтении. Они во многом определяются образностью произведения. В художественной литературе и поэзии выделяют особые приемы усиления выразительности. Грамотная презентация, публичное выступление – им также нужны способы построения выразительной речи.

Впервые понятие риторические фигуры, фигуры речи, появилось у ораторов древней Греции. В частности, их исследованием и классификацией занимался Аристотель и его последователи. Углубляясь в детали, ученые выделяли до 200 разновидностей, обогащающих язык.

Средства выразительности речи разделены по языковому уровню на:

  • фонетические;
  • лексические;
  • синтаксические.

Использование фонетики традиционно для поэзии. В стихотворении часто преобладают музыкальные звуки, придающие поэтической речи особую напевность. В рисунке стиха для усиления используют ударение, ритм и рифму, сочетания звуков.

Виды средств выразительности

Анафора – повторение звуков, слов или словосочетаний в начале предложений, стихотворных строк или строф. «Задремали звезды золотые…» – повторение начальных звуков, Есениным использована фонетическая анафора.

А вот пример лексической анафоры в стихах Пушкина:

Одна ты несёшься по ясной лазури,
Одна ты наводишь унылую тень,
Одна ты печалишь ликующий день.

Эпифора – сходный прием, но встречается гораздо реже, при этом слова или словосочетания повторяются в конце строк или предложений.

Использование лексических приемов, связанных со словом, лексемой, а также словосочетаний и предложений, синтаксис, рассматривается как традиция литературного творчества, хотя широко встречается в поэзии тоже.

Условно все средства выразительности русского языка можно разделить на тропы и стилистические фигуры.

Тропы

Тропы – это использование слов и фраз в переносном значении. Тропы делают речь более образной, оживляют и обогащают ее. Некоторые тропы и их примеры в литературном творчестве перечислены ниже.

Эпитет – художественное определение. Используя его, автор придает слову дополнительную эмоциональную окраску, свою оценку. Чтобы понять, чем отличается эпитет от обыденного определения, нужно уловить при чтении, придает ли определение новый оттенок слову? Вот несложный тест. Сравните: поздняя осень – золотая осень, ранняя весна – юная весна, тихий ветерок – нежный ветерок.

Олицетворение – перенесение признаков живых существ на неодушевлённые предметы, природу: «Мрачные скалы сурово глядели…».

Сравнение – прямое сопоставление одного предмета, явления с другим. «Ночь хмурая, как зверь…»(Тютчев).

Метафора – перенос значения одного слова, предмета, явления на другое. Выявление сходства, неявное сравнение.

«В саду горит костёр рябины красной…»(Есенин). Кисти рябины напоминают поэту пламя костра.

Метонимия – переименование. Перенесение свойства, значения с одного предмета на другой по принципу смежности. «Который в фетрах, давай на спор» (Высоцкий). В фетрах (материал) – в фетровой шляпе.

Синекдоха – разновидность метонимии. Перенесение значение одного слова на другое по признаку количественной связи: единственное – множественное, часть – целое. «Мы все глядим в Наполеоны» (Пушкин).

Ирония – употребление слова или выражения в перевернутом смысле, насмешливом. Например, обращение к Ослу в басне Крылова: «Отколе, умная, бредёшь ты, голова?»

Гипербола – образное выражение, содержащее непомерное преувеличение. Оно может касаться размера, значения, силы, других качеств. Литота – напротив, непомерное преуменьшение. Гипербола часто используется писателями, журналистами, а литота гораздо реже. Примеры. Гипербола: «В сто сорок солнц закат пылал» (В.В.Маяковский). Литота: «мужичок с ноготок».

Аллегория – конкретное изображение, сцена, образ, предмет, который наглядно представляет отвлеченную идею. Роль аллегории – навести на подтекст, вынудить искать скрытый смысл при чтении. Широко используется в басне.

Алогизм – намеренное нарушение логических связей в целях иронии.  «Был тот помещик глупый, читал газету «Весть» и тело имел мягкое, белое и рассыпчатое». (Салтыков-Щедрин). Автор намеренно смешивает в перечислении логически разнородные понятия.

Гротеск – особый прием, соединение гиперболы и метафоры, фантастическое сюрреалистическое описание. Выдающимся мастером русского гротеска был Н.Гоголь. На использовании этого приема построена его повесть «Нос». Особое впечатление при чтении этого произведения производит сочетание абсурдного с обыденным.

Фигуры речи

В литературе используются также стилистические фигуры. Основные виды их отображает таблица:

Повтор В начале, конце, на стыке предложений Этот крик и вереницы,

Эти стаи, эти птицы

Антитеза Противопоставление. Часто используются антонимы. Волос длинный – ум короткий
Градация Расположение синонимов в порядке нарастания или ослабления Тлеть, гореть, пылать, взрываться
Оксюморон Соединение противоречий Живой труп, честный вор.
Инверсия Изменения порядка слов Пришел он поздно (Он поздно пришел).
Параллелизм Сравнение в форме сопоставления Ветер зашевелил темные ветки. Страх зашевелился в нем снова.
Эллипсис Пропуск подразумевающегося слова За шапку и в дверь (схватился, вышел).
Парцелляция Разделение единого по смыслу предложения на отдельные И думаю я снова. О тебе.
Многосоюзие Соединение через повторяющиеся союзы И я, и ты, и все мы вместе
Бессоюзие Исключение союзов Ты, я, он, она – вместе целая страна.
Риторическое восклицание, вопрос, обращение. Используются для усиления чувств Какое лето!

Кто, если не мы?

Слушай, страна!

Умолчание Прерывание речи в расчете на догадку, для воспроизведения сильного волнения Мой бедный брат…казнь…Завтра на рассвете!
Эмоционально-оценочная лексика Слова, выражающие отношение, а также прямая оценка автора Прихвостень, голубка, балбес, лизоблюд.

Тест «Средства художественной выразительности»

Чтобы проверить себя на усвоение материала, пройдите небольшой тест.

Прочитайте следующий отрывок:

«Там война пахла бензином и копотью, горелым железом и порохом, она скрежетала гусеницами, строчила из пулемётов и падала в снег, и снова поднималась под огнем…»

Какие средства художественной выразительности использованы в отрывке из романа К.Симонова?

Швед, русский – колет, рубит, режет.

Бой барабанный, клики, скрежет,

Гром пушек, топот, ржанье, стон,

И смерть и ад со всех сторон.

А.Пушкин

Какие приемы использует автор, чтобы передать напряжение боя? Определите, какую роль в стихотворении играет буква «р» и звукосочетания с ней?

Ответ на тест дан в конце статьи.

Выразительный язык – это, прежде всего внутренний образ, возникающий при чтении книги, прослушивании устного выступления, презентации. Для управления образами нужны изобразительные приемы. В великом и могучем русском их достаточно. Используйте их, и в вашем речевом рисунке слушатель или читатель найдет свой образ.

Изучайте выразительный язык, его законы. Определите для себя, чего не хватает в ваших выступлениях, в вашем рисунке. Думайте, пишите, экспериментируйте, и ваш язык станет послушным инструментом и вашим оружием.

Ответ на тест

К.Симонов. Олицетворение войны в отрывке. Метонимия: воющие солдаты, техника, поле боя – автор идейно соединяет их в обобщенный образ войны. Используемые приемы выразительного языка – многосоюзие, синтаксический повтор, параллелизм. Через такое сочетание стилистических приемов при чтении создается оживший, насыщенный образ войны.

А.Пушкин. В стихотворении отсутствуют союзы в первых строках. Таким способом передано напряжение, насыщенность баталии. В фонетическом рисунке сцены особую роль играет звук «р» в разных сочетаниях. При чтении возникает рокочуще-рычащий фон, идейно передающий шум битвы.

Если отвечая на тест, вы не смогли дать правильных ответов, не огорчайтесь. Просто перечитайте статью.

Выразительные средства в живописи или основы языка изображения

Язык изобразительного искусства является языком выразительной формы. Он имеет свои свойства наглядности и осязательности.

Главные изобразительные средства – это линия, пятно, цвет и тон.

Все элементы этого языка представляют собой средства выразительности.

Линия подсказывает нам характер и смысл изображения.

Самое главное в создании произведения искусства – это формирование верного замысла. То, как ярко будет выражена идея художника, зависит от его мастерства.

Основными выразительными средствами в изобразительном искусстве являются рисунок, композиция и колорит.

Язык изобразительного искусства должен знать не только мастер, но и зритель. Ведь для того, чтобы понять, проанализировать то или иное произведение искусства, необходимо иметь соответствующие знания.

Лукас Кранах Старший Мадонна с младенцем Эрмитаж

И. К. Айвазовский Христос, идущий по воде 

К художественно – выразительным средствам живописи  относятся цвет, мазок, линия, пятно, цветовой и световой контраст,колорит, форма, композиция, фактура.

Леонид Афремов Сирень


Цвет. Каждый живой и неживой предмет имеет свой цвет. Также как и цвет, огромную роль играет освещенность. Воздействия цветовой окраски, расположение в пространстве, состояние воздуха влияет на цвет. Красота, которой мы восхищаемся и которую мы любим – красочное богатство действительности, или иначе цвета.

 Художник передает с помощью цвета, цветовых ощущений, цветовых сочетаний, гармонии холодных и теплых цветов все разнообразие настроения, чувства. А к ним относиться – радость, ожидание, тревога, грусть, нежность.

Мазок в живописи – след кисти с краской, оставленный художником на холсте, бумаги, картоне. Техника зависит от индивидуальной манеры художника, она очень разнообразна.

Линия и пятно – четкое очертание краской конкретного предмета на полотне. Пятно – тональное, силуэтное изображение объекта. Например, чтобы лучше понять это выражение, разберем пятно – снежную ель  на фоне дальнего неба. Или холм в темном ночном небе. Линию легче представить, посмотрев на любую картину. Четкие линии очертания тени того или другого предмета, усиливающие чувства грусти или радости.

Yu Cheng Hong 

Ив Кляйн

Цветовой и световой контраст в живописи, примером может служить резко выделяющие светлые и темные отношения пятен, участков картины.

Колорит — система цветовых тонов, их сочетаний и взаимоотношений в произведении искусства. 

Фактура — поверхность красочного слоя произведения живописи: глянцевитая или матовая, слитная или прерывистая, гладкая или неровная.

Композиция  – расположение всех предметов, элементов и частей произведения в определенной системе и последовательности для лучшего раскрытия художественного образа. 

Здесь же мы рассмотрим форму и конструкцию (строение) предмета, увидим художественно-выразительные средства – тон, штрих, линия.

Форма предметов определяется очертаниями, контуром, силуэтом.  В упрощенном виде  – квадрат, треугольник, круг, прямоугольник. Каждый предмет в упрощенном виде похож на геометрическую фигуру. Например, мяч – круглую форму, телевизор – прямоугольник, карнавальная шапочка клоуна  – треугольник.

 Конструкция (строение) предметов – основа форы, каркас строения предметов. Конструкция каждого предмета является то или иное геометрическое тело. Геометрические тела – цилиндр, шар, конус, параллелепипед, куб, пирамида. Очень часто рассматривая предмет, мы видим, что он имеет несколько геометрических тел. В рисовании имеет место метода прорисовки, или его чаще называют «сквозняк», когда рисуешь его строение, конструкцию, которые не видны нашему глазу.

Силуэт в изобразительном искусстве (графическая техника) – это вид графического изображения предмета. Это однотонное, плоскостное  изображение предмета. Обычно силуэты рисуют тушью на светлом фоне, ил на черном фоне белилами, либо вырезают из темной или светлой бумаге фигуру, и приклеивают на лист другого тона.

Композиция в изобразительной графике – расположение всех предметов, элементов и частей произведения в определенной системе и последовательности для лучшего раскрытия художественного образа. Композицию представляют в круге, в квадрате, овале, в прямоугольнике.


Выразительные средства живописи, последовательность выполнения тематической композиции, художник, предварительно делает эскизы, этюды, рисунки, наброски, создает тем самым картину. 

использован материал https://www.sites.google.com/site/iskusstvosk5/hudozestvennye-sredstva-zivopisi

09.11.2020

Художественные средства выразительности в пейзажной живописи. | Учебно-методическое пособие по теме:

Муниципальное дошкольное образовательное учреждение

детский сад комбинированного вида № 6 «Солнышко»

Сообщение.

«Художественные средства выразительности

в пейзажной живописи»

с использованием презентации

В рамках работы районного методического объединения

«Изобразительная деятельность в ДОУ

Воспитатель высшей

Квалификационной категории

Командрина М.М.

30 октября 2014 г.

г.п. Вербилки

1слайд   Введение.

Мир искусства прекрасен и удивителен. Введение в мир искусства - важнейшая составляющая педагогической деятельности. Педагог  учит раскрывать душу ребенка для красоты, учит смотреть на мир и видеть в нем неповторимое, и удивительное.

Незаменимым средством формирования духовного мира ребенка является искусство: литература, музыка, скульптура, народное творчество, живопись. Искусство говорит образным языком, оно наглядно и потому близко ребенку дошкольного возраста.

В детском саду дети знакомятся с различными доступными их возрасту видами изобразительного искусства. Используя лучшие образцы народного искусства и произведения мастеров, педагог воспитывает у них интерес и способность эмоционально воспринимать картины, скульптуры, предметы народного художественного творчества, иллюстрации в книгах, формирует основы эстетического вкуса, умение самостоятельно оценивать произведения искусства.

Живопись означает «писать жизнь», «писать живо», то есть полно и убедительно передавать действительность. Живопись - вид изобразительного искусства, произведения которого отражают действительность, оказывают воздействие на мысли и чувства зрителей.

Чтобы научиться понимать изобразительное искусство, необходимо освоить язык живописи.

(2 слайд)  Художественные средства выразительности

Знакомя детей с пейзажной живописью, мы раскрываем перед ними картину окружающего мира, при этом не ограничиваемся только перечислением изображенных на ней предметов, а раскрываем значимость труда самого художника, своеобразием его мастерства, что побудило художника написать эту картину, знакомим с секретами изображения, которые помогают художникам создавать картины, очень похожие на реальную природу.

 

(3-4 слайд)

И 1секрет художника это цвет. Цвет - душа живописи, без цвета живопись не существует. Цвет - это жизнь живописи. Важнейшая функция цвета в живописи - доводить до предела, как чувственную достоверность изображения, так и смысловую и эмоциональную выразительность произведения.

С помощью цвета художник может показать время года, время суток, состояние погоды.

(5-6-7слайд) 

Художник с помощью цвета может показать своё настроение, которое вызвало у него общение с природой.

Яркие, звонкие теплые цвета звучат весело, радостно, громко («Золотая осень» И.Левитана). Холодные тона звучат свежо, спокойно, бодро («Зима» И.Шишкина). Но можно еще и смешивать цвета, и тогда у зрителя появится новое ощущение, новое настроение. Например, цвета, смешанные с черной краской, звучат таинственно, загадочно, тревожно. Серые оттенки могут создавать ощущение грусти, тишины, мягкости. Сочетание контрастных красок создает ощущение опасности, тревоги.

Колорит полотна может быть радостным и печальным, спокойным и тревожным, загадочным и ясным. Живописными средствами художник создаёт неповторимый мир, который нас удивляет и радует, заставляет переживать и даёт пищу уму, приобщает к секретам и тайнам мастерства.

(8 слайд) Композиция

 Композиционное построение картины также о многом может нам рассказать.

1тайна композиции: что такое линия горизонта и зачем она нужна в картине.

Линия горизонта, помогает художнику выстроить картину, определить величину пространства неба и земли помогает передать глубину пространства, наметить планы - что находится близко, что далеко, что еще дальше.

(линейная перспектива) То, что расположено близко, изображено ярко, крупно, подробно, видны все детали.

 (воздушная перспектива) Чем дальше предметы, тем меньше они по размеру и бледнее по цвету.

«Золотая осень. Слободка» И. И. Левитан. 

(9 слайд) 

2 тайна: почему художник располагает линию горизонта по-разному - высоко, по середине картины, низко.

Итак, линия горизонта есть почти во всех пейзажных картинах, но в зависимости от того, на что наше внимание хочет обратить художник, она может занимать на картине разное место: то опускается низко, то проходит по середине картины, то вообще забирается высоко наверх.

На картине «Золотая осень» В. Поленова

линия горизонта высоко, поэтому больше изображено земли, чем неба. Художник обращает наше внимание на красоту земли золотой осенью.

Значит, высокая линия горизонта помогает художнику обратить наше внимание больше всего на то, что происходит на земле.

(10 слайд)

Рассмотрим другую картину «В голубом просторе» А. Рылова

Художник изобразил линию горизонта низко. Почему?

Чтобы нарисовать больших летящих лебедей и чтобы было просторно в голубом небе. Огромное, просторное голубое небо с легкими облаками. Кажется, что облака летят наперегонки с лебедями. Внизу картины, ниже линии горизонта, мы видим небольшую полоску темно-синего моря. Свежий ветер поднимает мелкие волны, кое-где они кудрявятся пенными барашками. Справа - небольшой каменистый остров, покрытый остатками снега, а слева — парусник. Корабль далеко, и поэтому художник изобразил его маленьким. Но видно, что корабль стремительно движется: его паруса наполнены ветром.

Удивительная картина! Кругом простор, свобода, жизнь!

(11 слайд)  

Картина «Грачи прилетели» А. Саврасов

Линия горизонта проходит по середине картины. О чем хотел нам  рассказать художник в этой картине? О том, что пришла весна. Грачи — вестники весны. Если закрыть небо на картине листом бумаги, это будет красиво? Нет! Тогда не видны будут вершины берез с птичьими гнездами и грачами. А если закрыть землю - опять плохо: не видно, что происходит на земле со снегом. Эта картина - ожидание тепла, яркого солнца, буйной весны! Этого ждут и земля и небо. Вот почему художник расположил линию горизонта по середине картины.

 «Золотая осень» И. Остроухов.

Но бывает, что линия горизонта полностью не видна, потому что ее закрывают деревья, дома или другие предметы. Вот так бывает и на картинах: эта линия «прячется» от нас. Иногда линия горизонта вообще «убегает» с картины. Обычно это бывает тогда, когда художник рисует какой - то кусочек пейзажа.

(12 слайд)

Формат картины также имеет большое значение для создания художественного образа, для передачи главной мысли художника, его чувствования и переживания.

Вертикальный формат полотна позволяет передать величие, стремление вверх, значимость и стройность объекта или возвышенность чувствований.

 «Февральская лазурь» И. Грабарь, «Грачи прилетели» А. Саврасов, «Осенний день. Сокольники» И. Левитан. 

Художник выбрал вертикальное построение полотна картины, чтобы показать огромность старого парка, его глубину, длину аллеи. Низкая линия горизонта дает возможность открыть даль, глубину и протяженность аллеи, ширь и значительность объектов на переднем плане, выделить их яркостью и рельефностью объемов. Мы чувствуем, что настроение природы созвучно настроению женщины. В природе чувствуется легкая печаль, грусть, задумчивость и тишина.

(13 слайд)

 горизонтальный формат — передаёт широкую панораму, протяженность, пространственность, монументальность.

«Лесные дали» И. Шишкин, «Золотая осень» В. Поленов.

Формат полотна картины «Гималаи» Н. Рериха, длинный, горизонтально положенный прямоугольник. Это и позволило художнику показать протяженность, величие горной страны. Художник показал только вершины гор. Этим он подчеркнул, как высоки горы.

(14 слайд)

«Рябинка» И. Грабарь.

В картине очень тихо, спокойно. Основное  внимание художник уделил нарядной рябинке, чтобы мы тоже полюбовались ее осенней красотой. Картина очень изящна и поэтична. Квадратное построение формата обычно передает спокойствие, тишину, умиротворенность, задумчивое, лирическое настроение.

Форматом полотна художник может подчеркнуть главное в картине, рассказать о том, что его больше всего заинтересовало, порадовало, удивило, передать свое настроение.

(15 слайд)

Мазок в живописи – след кисти с краской, оставленный художником на холсте, бумаги, картоне. Техника зависит от индивидуальной манеры художника, она очень разнообразна. Настроение в картине во многом зависит и от того, как художник наложил краску на бумагу или холст. Краска может ложится густыми, выпуклыми бугорками или ровно, гладко. И тогда можно рассмотреть форму мазочков. Они могут быть похожи на точки, полосочки, волны, запятые.

«Марсельский порт» П. Синьяк – картина написана мазками, которые похожи на кирпичики - полосочки.

«Скалы в Бель-Иль» К. Моне. – мазки похожи на волны и запятые

(16 слайд)

Характер линий – прямые и изогнутые, плавные и колючие, длинные и короткие. Разным характером линий можно создать разные образы.

Ветка берёзы нежная, тонкая, ласковая.

А ветки дерева закручены и переплетены. Дерево похоже на волшебника или дракона.

(17 слайд)

Ритм линий – ритмом линий можно создать образ добрый или злой, печальный или веселый. Стройные березки тянуться вверх. Их ровные стволы создают свой ритм.

Травы создают ритм спокойного движения.

Ветер обдувает пески, и они создают ритм волнистых линий - змеек.

(18 слайд) Ритм пятен.

Художник может использовать ритм. В изобразительном искусстве ритм – это повтор, чередование форм, линий, цветных, черных или белых пятен.

Т. Маврина «Ландыш пел» (акварель)

Таким ритмом цветов и листьев художник создал веселое настроение. Цветы  как будто танцуют и поют, а листья хлопают в ладоши.

Т. Маврина «Правый берег реки Лутосни». (фрагмент - тушь, перо)

Ритм черного пятна беспорядочный, немного тревожный.

(19 слайд)  Ритм пятен передает движение. Оно может быть спокойное, быстрое, беспорядочное.

На картине А. Рылова «В голубом просторе» птицы парят высоко под облаками. Они создают торжественное движение и ритм.

В работе Е. Чарушина «Воробьи» - ритм и движение совсем другие. Может быть, эти воробьи слетелись на день рождения к своему другу? Именинник в центре, а гости окружили его хороводом.

(20-21 слайд) Характер форм

В этих плавных формах больше спокойствия и доброты.

А эти острые формы кажутся злыми и колючими. Представим себе, что в гости к князю Гвидону плывет флот царя Салтана. У царя и его друзей хорошее, доброе настроение. Свой флот они украсили празднично, весело. И вдруг на своем пути они встретили флот злых пиратов.

 (22 слайд) Заключение.

Мы с вами совершили путешествие в особый мир – мир изобразительного искусства.

Что же приобретают наши дети от общения с изобразительным искусством, что меняется от этого в их личности? Прежде всего радость узнавания окружающего мира, одновременно знакомого и незнакомого. Воспринимая произведения искусства, ребенок становится пытливым, наблюдательным, эмоционально отзывчивым. Искусство создает радость общения с товарищами, формирует умение сопереживать.

Изобразительное искусство через зримые красочные образы помогают ребенку познавать истину, добро, красоту. От поколения к поколению оно прославляет эти прекрасные качества души человека.

Постоянное общение с изобразительным искусством учит ребенка ориентироваться в духовных ценностях общества, он приобретает самостоятельность эстетических суждений. 

 Очень важно, чтобы взрослые, показывая репродукции, сумели довести до детского сознания, что художник хотел сказать своей картиной, раскрыть авторский замысел. Только при этом условии художественное произведение найдет у ребят эмоциональный, эстетический отклик.

В картине нет ничего случайного: общий колорит, распределение света, размещение на полотне персонажей и предметов – все служит художнику для раскрытия его замысла, его мыслей и чувств.
Произведения художников учат ребят фантазировать. Дети начинают «видеть» и «слышать» в произведении что-то свое, у них возникает желание самим создать красивое. Так зарождается творчество.

Символизм | литературно-художественное движение

Основные поэты-символисты: французы Стефан Малларме, Поль Верлен, Артур Рембо, Жюль Лафорг, Анри де Ренье, Рене Гиль и Гюстав Кан; бельгийцы Эмиль Верхарен и Жорж Роденбах; уроженец Греции Жан Мореас; и Фрэнсис Виеле-Гриффин и Стюарт Меррил, которые были американцами по рождению. Реми де Гурмон был главным критиком символистов, в то время как критерии символизма были наиболее успешно применены к роману Жориса-Карла Гюисмана и к театру бельгийца Мориса Метерлинка.Французские поэты Поль Валери и Поль Клодель иногда считаются прямыми наследниками символистов XX века.

Артур Рембо.

© Everett Historical / Shutterstock.com

Символизм возник в результате восстания некоторых французских поэтов против жестких условностей, управляющих как техникой, так и темой в традиционной французской поэзии, о чем свидетельствует точное описание парнасской поэзии. Символисты хотели освободить поэзию от ее объяснительных функций и формализованного ораторского искусства, чтобы вместо этого описывать мимолетные, непосредственные ощущения внутренней жизни и опыта человека.Они пытались вызвать невыразимые интуиции и чувственные впечатления внутренней жизни человека и передать основную тайну существования посредством свободного и в высшей степени личного использования метафор и образов, которые, хотя и не имели точного значения, тем не менее передавали состояние ума поэта. и намек на «темное и смутное единство» невыразимой реальности.

На таких предшественников символистов, как Верлен и Рембо, большое влияние оказали поэзия и мысли Шарля Бодлера, особенно стихи в его Les Fleurs du mal (1857).Они приняли концепцию Бодлера о соответствиях между чувствами и объединили ее с вагнеровским идеалом синтеза искусств, чтобы создать оригинальную концепцию музыкальных качеств поэзии. Таким образом, для символистов тема в стихотворении могла быть развита и «оркестрована» путем тонкого манипулирования гармониями, тонами и цветами, присущими тщательно подобранным словам. Попытка символистов подчеркнуть существенные и врожденные качества поэтической среды была основана на их убеждении в превосходстве искусства над всеми другими средствами выражения или знания.Это, в свою очередь, частично основывалось на их идеалистической убежденности в том, что в основе материальности и индивидуальности физического мира лежит другая реальность, сущность которой лучше всего можно увидеть через субъективные эмоциональные реакции, вносимые в произведение искусства и порождаемые им.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Такие шедевры, как Romances sans paroles Верлена (1874; Песни без слов ) и L’Après-midi d’un faune Малларме (1876) вызвали растущий интерес к зарождающимся инновациям прогрессивных французских поэтов.Сам манифест символистов был опубликован Жаном Мореасом в № Le Figaro 18 сентября 1886 года; в нем он атаковал описательные тенденции реалистического театра, натуралистических романов и парнасской поэзии. Он также предложил заменить термин décadent , который использовался для описания Бодлера и других, терминами symboliste и symbolisme. В конце 1880-х появилось много небольших символистских обзоров и журналов, их авторы свободно участвовали в спорах, порожденных нападками враждебных критиков на движение.Малларме стал лидером символистов, и его « Divagations » (1897) остается наиболее ценным свидетельством эстетики движения. В своих попытках избежать жестких метрических шаблонов и достичь более свободных поэтических ритмов многие поэты-символисты прибегали к составлению стихотворений в прозе и использованию ver libre (свободный стих), который теперь стал фундаментальной формой современной поэзии.

Поль Верлен, деталь из Un Coin de table , картина маслом Анри Фантен-Латура, 1872 г .; в Лувре, Париж.

Giraudon / Art Resource, Нью-Йорк

Движение символистов распространилось и на Россию, где Валерий Брюсов в 1894–95 издал антологию русских и французских стихотворений символистов. Возрождение поэзии в России на основе этого движения возглавил Владимир Сергеевич Соловьев. Его поэзия выражала веру в то, что мир представляет собой систему символов, выражающих метафизические реальности. Величайшим поэтом движения был Александр Блок, который в году «Двенадцать » (1918; «Двенадцать ») объединил русскую революцию и Бога в апокалиптическом видении, в котором 12 красноармейцев стали апостолами Нового Света во главе с Христом.Другими русскими поэтами-символистами были Вячеслав Иванович Иванов, Федор Сологуб, Андрей Белый и Николай Гумилев.

Брюсов Валерий Яковлевич, портрет неизвестного художника.

Агентство печати «Новости»

Движение символистов в поэзии достигло своего пика примерно в 1890 году и начало стремительно падать в популярности примерно в 1900 году. Атмосферные, несфокусированные образы символистской поэзии в конечном итоге стали рассматриваться как переоцененные и затронутые, и термин décadent , который Когда-то символисты гордо выставляли напоказ, а теперь стали для других термином насмешек, обозначающим просто изысканность fin-de-siècle.Однако произведения символистов оказали сильное и продолжительное влияние на большую часть британской и американской литературы 20 века. Их экспериментальные методы значительно обогатили технический репертуар современной поэзии, а теории символизма принесли свои плоды как в поэзии У. Йейтс и Т. Элиота и в современном романе, представленном Джеймсом Джойсом и Вирджинией Вульф, в которых гармония слов и паттерны изображений часто преобладают над повествованием.

Одним из немногих успешных романов-символистов был роман « À rebours » (1884; Against Nature ) Дж.-К. Гюисманс. В книге рассказывается о разнообразных и удивительно изобретательных экспериментах в эстетическом декадансе, предпринятых скучающим аристократом. Обзор символистского движения Axel’s Castle (1931 г.), сделанный американским критиком ХХ века Эдмундом Уилсоном, считается классикой современного литературного анализа и авторитетного исследования этого движения.

Йорис-Карл Гюисманс, деталь масляной картины Жана-Луи Форена.

J.E. Bulloz

литературы | Определение, характеристики, жанры, типы и факты

Литература , собрание письменных работ.Это название традиционно применялось к тем творческим произведениям поэзии и прозы, которые отличались намерениями их авторов и воспринимаемым эстетическим совершенством их исполнения. Литературу можно классифицировать по множеству систем, включая язык, национальное происхождение, исторический период, жанр и тематику.

Британская викторина

Литературные термины: популярная викторина

Вот очень короткая и очень сложная викторина, чтобы проверить, насколько хорошо вы знаете свои литературные термины.Как быстро ты сможешь его закончить?

Для исторической обработки различных литератур в географических регионах, см. таких статей, как африканская литература; Африканский театр; Океаническая литература; Западная литература; Искусство Центральной Азии; Искусство Южной Азии; и искусство Юго-Восточной Азии. Некоторые литературы рассматриваются отдельно по языку, нации или специальному предмету (например, арабская литература, кельтская литература, латинская литература, французская литература, японская литература и библейская литература).

Определения слова литература имеют тенденцию быть круглыми. В 11-м издании коллегиального словаря Merriam-Webster литература рассматривается как «произведения, обладающие превосходным качеством формы или выражения и выражающие идеи, представляющие постоянный или универсальный интерес». Критик XIX века Вальтер Патер называл «вопрос художественной или художественной литературы» «расшифровкой не просто фактов, но фактов в их бесконечно разнообразных формах». Но такие определения предполагают, что читатель уже знает, что такое литература.И действительно, его центральный смысл, по крайней мере, достаточно ясен. Произошедшее от латинского слова littera , «буква алфавита», литература - это, прежде всего, вся письменность человечества; после этого - объем письма, принадлежащий данному языку или народу; тогда это отдельные части письма.

Послушайте, как Клинтон Террелл поделится своим опытом одиночного заключения с Калифорнийским университетом в Беркли, специализируется на английской литературе

Послушайте, как Клинтон Террелл расскажет, как его открытие Шекспира Julius Caesar во время 18-месячного пребывания в одиночном заключении привело его к пути из тюрьмы в Калифорнийский университет в Беркли, где он изучал английскую литературу, борясь с последствиями крайней изоляции.

Показано с разрешения Регентов Калифорнийского университета. Все права защищены. (Партнер Britannica Publishing) Смотрите все видео для этой статьи

Но уже необходимо квалифицировать эти утверждения. Само по себе использование слова , написанного как при описании литературы, вводит в заблуждение, поскольку можно говорить об «устной литературе» или «литературе дописьменных народов». Литературное искусство не сводится к словам на странице; они там исключительно из-за ремесла письма.Как искусство, литературу можно описать как набор слов, доставляющих удовольствие. Тем не менее, с помощью слов литература возвышает и трансформирует опыт, выходящий за рамки «простого» удовольствия. Литература также более широко функционирует в обществе как средство как критики, так и утверждения культурных ценностей.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Объем литературы

Литература - это форма человеческого самовыражения. Но не все, что выражено словами, даже если оно организовано и записано, считается литературой.Те произведения, которые носят преимущественно информативный характер - технические, научные, журналистские - будут исключены из числа литературных большинством, хотя и не всеми, критиками. Однако некоторые формы письма повсеместно считаются принадлежащими к литературе как искусству. Считается, что отдельные попытки в этих формах успешны, если они обладают чем-то, называемым художественными достоинствами, и терпят неудачу, если нет. Природу художественных достоинств определить труднее, чем распознать. Писателю не нужно даже преследовать его, чтобы достичь этого.Напротив, научная экспозиция может иметь большую литературную ценность, а пешеходное стихотворение - вовсе не иметь.

Самая чистая (или, по крайней мере, самая насыщенная) литературная форма - это лирическая поэма, за которой следуют элегические, эпические, драматические, повествовательные и пояснительные стихи. Большинство теорий литературной критики основываются на анализе поэзии, потому что эстетические проблемы литературы там представлены в их простейшей и чистейшей форме. Поэзия, несостоятельная как литература, называется вовсе не поэзией, а стихами.Многие романы - безусловно, все великие романы мира - являются литературой, но есть тысячи, которые не принимаются во внимание. Большинство великих драматических произведений считаются литературой (хотя китайцы, обладатели одной из величайших драматических традиций мира, считают, что их пьесы, за некоторыми исключениями, не обладают какими-либо литературными достоинствами).

Греки считали историю одним из семи искусств, вдохновленных богиней, музой Клио. Все мировые классические обзоры истории могут служить благородными образцами литературного искусства, но большинство исторических трудов и исследований сегодня написаны не в первую очередь с учетом литературного мастерства, хотя они могут обладать им как бы случайно.

Эссе когда-то было написано намеренно как литературный материал: его тематика имела сравнительно второстепенное значение. Сегодня большинство эссе написано как разъяснительная, информативная журналистика, хотя в великой традиции все еще есть эссеисты, считающие себя художниками. Сейчас, как и в прошлом, некоторые из величайших эссеистов критикуют литературу, драму и искусство.

Некоторые личные документы (автобиографии, дневники, мемуары и письма) входят в число величайших литературных источников мира.Некоторые образцы этой биографической литературы были написаны для потомков, другие не думали, что их прочитает кто-нибудь, кроме писателя. Некоторые из них выполнены в изысканном литературном стиле; другие, написанные на языке, созданном в частном порядке, завоевывают себе статус литературы благодаря своей убедительности, проницательности, глубине и размаху.

Многие философские произведения относятся к категории литературы. Диалоги Платона (4 век до н. Э.) Написаны с большим повествовательным искусством и в прекрасной прозе; «Размышления » римского императора 2-го века Марка Аврелия представляют собой собрание явно случайных мыслей, а греческий язык, на котором они написаны, эксцентричен.Тем не менее, обе они относятся к категории литературы, а рассуждения других философов, древних и современных, - нет. Некоторые научные труды остаются литературными еще долго после того, как их научное содержание устарело. Это особенно верно в отношении книг по естествознанию, где особое значение имеет элемент личного наблюдения. Прекрасным примером является книга Гилберта Уайта «Естественная история и древности Селборна » (1789 г.).

Ораторское искусство, искусство убеждения, долгое время считалось великим литературным искусством.Например, ораторское искусство американских индейцев широко известно, в то время как в классической Греции Полимния была священной музой поэзии и ораторского искусства. Великий римский оратор Цицерон оказал решающее влияние на развитие стиля английской прозы. Геттисбергское послание Авраама Линкольна известно каждому американскому школьнику. Сегодня, однако, ораторское искусство чаще воспринимается как ремесло, чем как искусство. Большинство критиков не признают рекламный копирайтинг, чисто коммерческую беллетристику, сценарии кино и телевидения как принятые формы литературного выражения, хотя другие горячо оспаривают их исключение.Казалось бы, проверка в отдельных случаях будет испытанием на стойкое удовлетворение и, конечно же, на истину. Действительно, категоризировать литературу становится все труднее, потому что в современной цивилизации слова есть везде. Человек подвержен непрерывному потоку общения. По большей части она скрыта от правосудия, но кое-где - в журналистике высокого уровня, на телевидении, в кино, в коммерческой фантастике, в вестернах и детективных рассказах, а также в простой объяснительной прозе - некоторые произведения почти случайно достигают успеха. эстетическое удовлетворение, глубина и актуальность, которые дают ему право стоять рядом с другими образцами литературного искусства.

Введение в искусство экспрессионизма в 12 работах

Франц Марк, Судьба животных, 1913 | © Cinzing / WikiCommons

Экспрессионизм был прогрессивным движением в искусстве, зародившимся в Германии и Австрии в начале 20 века. Основная задача экспрессионизма заключалась в стремлении передать переживания и эмоции в их необработанной форме, а не в какой-либо физической реальности, как это показано на съемках фильмов Фрица Ланга Metropolis и Роберта Вайна The Cabinet of Dr.Калигари. Отвергая любое чувство реализма и натурализма, экспрессионистские работы были взрывом цвета и энергии. Вот 12 работ, которые вам нужно знать.

Хотя он не был частью экспрессионистского движения, истоки экспрессионизма можно найти в работах Эдварда Мунка, и The Scream часто приводится в качестве яркого примера. Написав четыре версии в различных средствах массовой информации в период с 1893 по 1910 год, работы Мунка можно рассматривать как образец для искусства экспрессионизма.Искаженные и искаженные фигуры, нереалистичные цвета и бурлящая энергия картины - все это усиливает чувство тревоги и изоляции. Апокалиптическая и дикая живопись Мунка знаменует начало европейского (а возможно, и мирового) сдвига в сторону более вызывающего воспоминания и эмоционального стиля. Исчезли успокаивающие и мягкие формы произведений импрессионистов; теперь возникла необходимость изобразить нашу внутреннюю примитивную сущность.

Эдвард Мунк, Крик, 1893 | (c) WebMuseum at ibiblio

С рассветом этого нового экспрессионистского движения возникли и сформировались новые группы художников. Der Blaue Reiter («Синий всадник») был одним из них - коллективом художников, базирующимся в Мюнхене и действовавшим в основном в 1912 году, когда они опубликовали свой альманах. Август Маке был одним из основных участников этой группы. Ранние работы Маке были французскими импрессионистами и постимпрессионистами по своему стилю, но позже он перенял фовистские техники ярких и необычных цветов. 1910 год знаменует собой важный год в художественном развитии Мака, поскольку он встретил Василия Кандинского, который помог развить любовь Макке к символизму и духовности.Эта работа « Прощание, » была написана в 1914 году и была его последней работой перед его смертью на втором месяце Первой мировой войны на фронте в Шампани, Франция. Картина изображает мрак и горе войны, а фон напоминает декорации многих немецких экспрессионистских фильмов той эпохи. Клаустрофобная и зазубренная картина Макке тревожит и изображает травмы войны не на поле битвы, а в городах, из которых прибыли солдаты.

Август Маке, Прощание, 1914 | © The Yorck Project / WikiCommons

Еще одним основателем Der Blaue Reiter был Франц Марк, который основал свой журнал в 1911 году.Эта картина, созданная в 1913 году, знаменует собой изменение ранее спокойного и безмятежного стиля Марка. Острые края и диагонали резки придают этой картине вид разбитого витража. На картине изображен лес в огне, а животные оказались в ловушке пылающего ада. Считается, что картина представляет собой изображение войны, а темы разрушения и хаоса очевидны. Треть картины сгорела в огне и была восстановлена ​​близким другом Марка, Полем Клее, который добавил работе коричневый оттенок.Картина напряженная и драматическая, она знаменует собой ключевой момент в развитии экспрессионизма в Германии и Европе.

Франц Марк, Судьба животных, 1913 | © Cinzing / WikiCommons

Швейцарско-немецкий художник Пауль Клее - еще одна ключевая фигура экспрессионизма. Связанный с Der Blaue Reiter , Клее также преподавал в Баухаузе вместе с Василием Кандинским. Стиль Клее сильно отличался от стиля других членов Der Blaue Reiter . Хотя это было очень эмоционально, его работы были более тонкими, абстрактными и духовными по своей природе.Они создают более интимное впечатление от просмотра и отображают более тихие внутренние чувства Клее. Клее был увлечен музыкой, поэтому его работы часто пронизаны чувством музыкальности. На этом простом рисунке, выполненном в 1915 году, изображен высокий город, который рушится и трескается, а повсюду разбросаны лестницы и деревья. Под этой сценой - раненый солдат, лежащий на земле, брошенный умирать. «Смерть за идею» написано ниже на немецком языке. Работа суммирует чувства Клее к войне, особенно после смерти его друзей Марка и Мака.Хотя рисунок Клее прост в исполнении, он излучает чувство изоляции, беспокойства и почти гнева по поводу логики войны. Ссылаясь на конфликт как на «идею», Клее подчеркивает ненужный и ненужный характер войны.

Эволюцию экспрессионизма в Европе в начале 20 века можно наблюдать и в других странах, помимо Германии. В Австрии одной из ключевых фигур и разработчиков стиля экспрессионизма был Эгон Шиле. Вопреки общепринятым формам красоты, работы Шиле искажены, жестоки и противоречивы.Его рисунки и картины - это обжигающие исследования внутренней души и бросающие вызов фальшивому фасаду венского общества и культуры того времени. В отличие от немецкого экспрессионизма, Шиле использовал рисунок и тщательное рисование для создания очень эмоциональных и сырых произведений искусства, обычно с неистовой сексуальной энергией. Его автопортреты, такие как этот, сделанный в 1912 году, часто противостоят зрителю. В этой работе Шиле смотрит на зрителя с уверенностью, но он сидит скрюченный и неподвижный на своем сиденье, его лицо покрыто шрамами и сморщено.Заряженная картина, работа Шиле демонстрирует отход от изображений повседневной жизни и общества, которые были характерны для эпохи импрессионистов, к более личным представлениям и исследованиям себя.

Selbstporträt mit Lampionfrüchten (1912)

Важной фигурой экспрессионизма во Франции был Жорж Руо. Начав свою художественную карьеру в качестве художника по стеклу и реставратора, картины Руо часто отображали его корни в стекле, а его работы имели толстые черные контуры, похожие на свинец на витражах.Его использование ярких цветов также связано с его фовистским влиянием и его дружбой с Анри Матиссом и Анри Мангеном. Первое десятилетие 20-го века знаменует собой изменение стиля Руо от яркого фовизма к более мрачной экзистенциальной форме экспрессионизма. Его тема также была сосредоточена на клоунах, судах и проститутках, а его картины этого периода часто считаются социальной критикой. Эта картина 1905 года раскрывает этот сдвиг в его стиле и фокусе, его цветовая палитра приглушена и мрачна.Фигуры обведены жирными черными линиями, их лица отображают выражения гнева, смущения и скуки. Его более поздние работы часто были религиозными и исследовали идеи страдания и экзистенциализма.

Другой ключевой группой в развитии экспрессионизма была Die Brücke (Мост). Карл Шмидт-Ротлуфф был одним из четырех членов-основателей этого коллектива, который первоначально базировался в Дрездене, а затем переехал в Берлин. Die Brücke действовала дольше, чем Der Blaue Reiter , и их внимание было сосредоточено на примитивном искусстве.Их часто сравнивают с фовистами, поскольку оба разделяют акцент на ярко выраженном использовании цвета и отказе от натурализма. Тем не менее, Die Brücke часто считается более жестоким. Работы Шмидт-Ротлуфф раскрывают это чувство. Сподвижник Эмиля Нольде, Шмидт-Ротлуф работал в основном с деревом, создав более 300 гравюр на дереве с резкими и тревожными предметами. Эта картина изображает стиль, похожий на его гравюры на дереве, и показывает влияние африканского искусства и племенных масок.Работа была завершена до того, как Шмидт-Ротлуф отправился на военную службу на российском фронте в 1915 году. Трагическое выражение лица женщины и ограниченная цветовая палитра считаются реакцией на войну.

Оскар Кокошка, которого иногда считали соперником Шиле, был еще одной известной фигурой и представителем австрийского экспрессионизма. Его ранние работы более изысканные, но в начале 20-го века его мазки стали шире, а использование цвета - более ярким, а его фигуры заключены в толстые очертания.Эта картина является ответом на его бурный роман с Альмой Малер, начавшийся в 1912 году. Краска кружит вокруг пары, которая лежит в центре композиции. Цвета приглушенные и прохладные, но несколько розовых и красных оттенков намекают на страсть и любовь в их отношениях. Однако общее настроение работы - трагедия и потеря, намекая на конец его романа с Малером. Эту работу часто называют лучшим и самым личным произведением Кокошки. Помимо создания экспрессионистских картин, Кокошка также был писателем и поставил множество прогрессивных экспрессионистских пьес.

Еще одним основателем Die Brücke был Эрих Хекель. Первоначально учившись на архитектора, Хекель познакомился с другими членами группы художников и в 1907 году стал штатным художником. Он был плодовитым гравером, создав за свою жизнь более 400 гравюр на дереве. Этот эстамп 1907 года показывает его ранние корни в экспрессионистском движении. Возможно, автопортрет, жуткое лицо смотрит на зрителя безглазое и лишенное выражения. По внешнему виду голова кажется почти скелетной или, возможно, маской.Лицо парит, отделенное от темного фона, призрачное и тревожное. В его более поздних работах часто использовалась модель под названием Fränzi, которая демонстрирует угловатость, аналогичную этой более ранней работе. Экспрессионизм Хекеля был смелым, графическим, но простым.

Хотя он приехал из России, Хаим Сутин стал крупным разработчиком экспрессионизма во Франции, особенно в Париже. Его ключевые экспрессионистские работы появились через несколько лет после немецкого экспрессионизма и часто упоминаются как мост между немецким экспрессионизмом и более поздним движением абстрактного экспрессионизма.Сутин написал эту работу в 1925 году, используя настоящую тушу в качестве модели. История гласит, что кровь из туши просочилась под дверь его студии, в результате чего в комнату ворвался Марк Шагал, полагая, что кто-то убил Сутина. Сутин написал десять работ в рамках этой серии, и считается, что он был вдохновлен одноименными произведениями Рембрандта. Эта работа изображает раскол туши с использованием контрастных синего и красного цветов, чтобы подчеркнуть грубую и жестокую природу объекта. Свободные мазки, использование сильных контуров и интуитивный характер работы - все это можно рассматривать как факторы, влияющие на абстрактный экспрессионизм.

Говяжья туша (1925)

Еще одним ключевым игроком в Die Brücke был Эрнст Людвиг Кирхнер. Киршнер, как и его коллеги, был призван на войну, но был признан непригодным по состоянию здоровья. Это произведение было написано в 1915 году и часто считается шедевром психологической драмы. На картине изображен художник в форме, с ампутированными и окровавленными конечностями. Работа похожа на работу Отто Дикса в его яростном противостоянии ужасам войны. Художник тоже находится в своей мастерской, а не на поле боя.Шероховатость и схематичность картины схожа с другими работами Киршнера того периода. Хотя Киршнер не воевал на передовой, эту картину можно рассматривать как исследование личных последствий войны и травм, нанесенных теми, кто был призван. Эта картина, посвященная насилию, показывает, как художники использовали экспрессионизм, чтобы выразить свои внутренние тревоги и эмоции в яркой и противоречивой манере.

Автопортрет в образе солдата (1915)

Хотя экспрессионизм (как и мир искусства) был в значительной степени патриархальным, было несколько женщин-художников, которые внесли свой вклад в развитие этого стиля.В авангарде мюнхенского авангарда стояла Габриэле Мюнтер, ученица Василия Кандинского, с которой у нее сложились бурные отношения, закончившиеся горечью. Мюнтер создала свой собственный экспрессионистский стиль во время и после своих 13-летних отношений с Кандинским, объединив воедино баварское народное искусство, витражи и почти фовистское использование цвета

Что это, о, характеристики, история, важность, работы, представители

Изобразительное искусство

Классицизм начинается как движение, которое старалось максимально придерживаться периодов апогея искусства Древнего Рима и Греции, поэтому оно проявляло класс и порядочность, оно выделялось как культурное движение, которое пробудило эстетические и перфекционистские тенденции человека, стереотипирующие, таким образом, население.

Что такое классицизм?

Классицизм - это культурное движение, развившееся во второй половине восемнадцатого века , на которое сильно повлияли классические культуры Рима и Греции . Это движение выражало желание навязать трезвость человечеству , чтобы управлять не только эмоциями, но и внутренними импульсами людей, принижая все, что относилось к людям, до монотонности и банального перфекционизма.

О классицизме

Он отличался постоянным поиском совершенства и интеллектуальной и эстетической гармонии , которой люди обладают во всех областях искусства , проектируя или, лучше сказать, изменяя человеческое поведение с помощью своих работ, чтобы изменить реальность общество , таким образом, превращает его в точное, правильное, простое и трезвое восприятие мира вокруг нас, отбрасывая всю эксцентричность и все, что выходит за рамки социальных параметров, как можно видеть, нынешнее течение делает честь своему названию классическим .

Происхождение

В искусстве классицизм устанавливается между барокко и романтизмом , создавая сбалансированное сочетание обоих направлений. Некоторые историки и специалисты в этой области обычно устанавливают дату происхождения около 1750 , год, когда J.S. Бах умирает и завершает в 1827 , году, в котором умирает один из величайших музыкантов и композиторов истории , что было Бетховеном .

История классицизма

Классицизм как нынешний имел очень короткую продолжительность, охватил славу в конце семнадцатого века , он переживал разные исторические обстоятельства, как тот, который жил на Западе в то время, оставив прозвище «». Современная эпоха », чтобы перейти непосредственно к« Современная эпоха ».

В течение этих дат происходит историческое событие, , которое изменит общество, вместе с ним, история, рассказанная на тот момент, будет видоизменяться благодаря движению классицизма, как это было во французской революции , , в 1789 году, .

Характеристики

Характеристики классицизма можно уловить простым взглядом, так как во всех его работах выделяются основы того же « Совершенство человека ». Наиболее выделяются в работах:

  • Вдохновение в моделях и произведениях античности, основанных только на произведениях художественного апогея Рима и Греции , например работы Гомера, Горацио и Феокрита .
  • Он полностью рационалистичен и подавляет все воображаемые идеи, физические особенности человека превозносятся, подчеркивая таким образом его образ жизни и жизни, будучи настолько точным, насколько это возможно, что художник может формировать.
  • Он стремится к простоте и сохранению ясности в произведениях ощущается умеренно, устанавливая гармоническое равновесие, тем самым позволяя увидеть истинный порядок.
  • Классицизм всегда стремился сохранить педагогический подход в своих произведениях, поскольку он фиксирует важные факты истории, известных людей, литературные произведения и архитектурные прошлых эпох.
  • Он всегда стремится сохранить отличительный характер всех жанров , что позволяет ему выделяться самим и не ассоциироваться с другими внешними
  • Максимально реалистичный, без образных персонажей не заслуживает исчерпывающего анализа со стороны тех, кто восхищается работами , а скорее перемещается непосредственно к моменту, воплощенному в работе.

В каких социальных и художественных сферах повлиял классицизм?

Художественное движение классицизма сумело повлиять на все социальные области для того времени, стремясь перенести прошлое в настоящее, которое существовало в Европе , охватило все области искусства из литературы , скульптуры, архитектуры , иллюстрация к музыке и театру, оказав большое влияние на последние два.

Иллюстрация

Это было в , 18 веке, , когда во Франции зародилось течение иллюстрации, что сделало его истинной основой для классицизма, где интеллектуальные процессы составляли главную ось, в которой мы стремились охватить больше знаний более методичным способом.

В живописи

Исторические и мифологические сцены были запечатлены в твердом стиле без преувеличений, в котором в центре внимания всегда находилось сообщение, которое должно быть запечатлено последовательными кадрами, без контрастов или преувеличенных сцен или , непочтительно полные эмоций .

В литературе

Создается « Клан Древних », который произвел сенсацию во французской академии в 17 веке, в нем было как древних, так и современных поэтов . Большое внимание уделяется главному французскому поэту Буало, который был одним из главных референтов клана. Среди его самых выдающихся творений - сатирические произведения, основанные на работах Juvenal и Horacio , в которых критикуются вкусы некоторых современных представителей и, в свою очередь, выражается большое восхищение Moliere , La Fontaine и Racine .

Скульптура

Гармония тела, несомненно, была главной темой при лепке , как это было сделано в Греции и Риме . Начиная с года, у Микеланджело работы, экспрессия и настроение были очень заметными.

В музыке

Определенно, музыка была одним из искусств, которое больше всего объединяло это движение, музыка для этого времени начала трансформироваться в утонченную и сбалансированную, с простыми гармониями и упорядоченной структурой, которая вызывала умиротворение у тех, кто воспринимал эти симфонии , конец подавляя непрерывный бас и в конечном итоге становясь тональностями, которые организуют работу .Со своей стороны, это было время величайших композиторов классической музыки, которых знал мир: Моцарт , Бетховен , Керубини . Со своей стороны, Orchestra развивается и адаптируется к классической форме , образуя секцию струнных, духовых и ударных. Оркестры используются не только в специальных мероприятиях, но и в спектаклях. Это дает начало работам Буффы, которые оспариваются с повседневной жизнью , но с юмористическими или сентиментальными нотками, таким образом привлекая большую аудиторию .

Представители классицизма

  • Николя Пуссен.
  • Жак Стелла.
  • Аллан Рамзи.
  • Франсиско Прадилья.
  • Жан-Батист Сантер.
  • Клавдий Лотарингский.
  • Бетховен.
  • Моцарт.

Работает

Ниже мы выделим некоторые из наиболее важных произведений классицизма :

  • Закат в порту, Клаудио де Лорена.
  • Империя Флоры, Николя Пуссен.
  • Христос служил, Жак Стелла.
  • Пейзаж с Энеем на Делосе, Клаудио де Лорена.
  • Эхо и Нарцисс, Николя Пуссен.
  • Ясон с золотым руном, Бертель Торвальдсен.
  • Спящая Венера и Амур, Николя Пуссен.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *